EN BUSCA DE UN TÍTULO: Sobre el cuadro "Estudio para "Function-Curves Brown-Greenish" de George Vantongerloo.

En busca de un título de un cuadro abstracto:

Ayer asistí junto con mi hijo Santiago d'Ors Silva, futuro gran escritor con el curioso seudónimo de "Yago Vâsil" , a la inauguración de la temporada de exposiciones de la Galería Guillermo de Osma, de mi amigo Guillermo, uno de los más exquisitos "gourmets" de arte que conozco, con la estupenda muestra "Construyendo UTOPÍAS (de DE STIJL a la NEW BAUHAUS). Entre las magníficas obras de Willi Baumeister, Klee, Torres García, Moholy-Nagy, Brancusi, etc., nos detuvimos particularmente y, por azar, en la obra "Estudio para "Function-Curves Brown-Greenish" del belga Vantongerloo, perteneciente al movimiento artístico DE STIJL.

Se nos ocurrió la idea de un experimento literario-artístico que consistía en buscar un título para otorgárselo a esta obra en cuestión que se nos ocurriese y que (más o menos) se ajustase al cuadro; es decir, qué título le daríamos nosotros a la obra. He aquí una lista de algunos de los títulos propuestos y venidos a nuestra imaginación: Reflejos de un puente al atardecer; Sonrisas de verano; La sonrisa de un niño; Curvas de mujer; Párpados seductores; En busca del semicírculo; "Ondas"; En busca de la media naranja; Al saltar la comba; La juguetona cola del gato; Impresiones: soles de Oriente; Barquichuelas...

LA LUZ DE UNA BODA MARAVILLOSA, celebrada el 9 de septiembre de 2011.

El pasado día 9 de septiembre de 2011 nuestra familia celebró la BODA de mi hermano Luis d’Ors con Isis Abellán, una bella y dulce mujer. La boda se celebró en el SANTUARIO DE LA VIRGEN DE LA FUENSANTA en Murcia, uno de los lugares más emblemáticos, bellos y luminosos para celebrar esta sagrada unión.
La BODA fue maravillosa y llena de esplendorosa LUZ. LUZ en el rostro feliz e ilusionado de los contrayentes. LUZ en el bellísimo vestido blanco, velo y larguísima cola de la novia y en el luminoso ramo de rosas blancas. LUZ en la soleada tarde murciana a los pies del santuario y en el dorado y florido interior barroco. LUZ y sonrisa permanente en los invitados de novia y novio. LUZ en el rostro emocionado del hermano sacerdote del novio, Pablo, que esperaba pacientemente en el altar la llegada de los novios. LUZ en las caras emocionadas de Esperanza, la madrina y José, el padrino. LUZ en el organista que esperaba impaciente la orden de tocar. LUZ en los rostros de los hermanos, Mauricio, Carlos, Alfonso y Juan que esperaban nerviosos para cantar el bellísimo villancico del siglo XV de Michael Praetorius “Es ist ein Ros entsprungen”. LUZ dulce en el rostro de una flor, Rosa, la madre de la novia. LUZ en la celestial homilía del sacerdote Pablo. LUZ y claridad en las voces de Ainhoa y Mónica que hicieron las lecturas y las preces. LUZ en el emocionado canto tembloroso de Carmen, la abuela de la novia, en la SALVE A LA VIRGEN DE LA FUENSANTA:
“Divina flor de las flores/ corona de las estrellas/ lucero claro y divino/ luna clara y siempre llena. Sois Virgen de la Fuensanta/ aquella rosa primera/ que subió a gozar del Cielo/ sentada a la mano diestra.
LUZ Sagrada en el “Sí QUIERO” de los novios. LUZ de Unión en el tembloroso y emocionado acto de colocar los anillos. LUZ en el casto beso de los novios recién casados. LUZ en los rostros alegres de los esposos al disponerse a salir de la Iglesia y recibir la luminosa lluvia de arroz.


LUZ en la explanada y escalinata del luminoso atardecer sobre la fachada del Santuario. LUZ y sonrisas en las poses para las fotos y videos de los familiares y amigos de los esposos. LUZ en el esplendoroso vestido largo verde-hierba satinado de mi esposa Virginia y en el luminoso rubio de su dorado pelo. LUZ en la media sonrisa de Olaya mientras mi hermano Alfonso la cogía con sabiduría en sus brazos.
LUZ de las velas en el ajardinado Restaurante Estudio en donde se celebró el cocktail-cena y el baile. Luz en las camareras que elegantemente de negro servían las luminosas y cristalinas copas y viandas. LUZ en el rostro iluminado y eternamente sonriente del acordeonista búlgaro Tosho, mientras iba de mesa en mesa tocando y cantando. LUZ en el brillo plateado del traje y corbata del novio, y el inmaculado blanco de la novia mientras bailaban un vals.

LUZ en las siluetas de los novios que se reflejaban en la acequia del jardín del restaurante. Y, en fin, Luz de la Luna que, casi llena, sonreía cómplice a los recién casados en la límpida noche murciana.

Las exposiciones antológicas de Antonio López y James Castle, ejemplos respectivos de un gran pintor y de un gran artista.

En este pasado mes de agosto hemos acudido a dos grandes exposiciones antológicas: las de Antonio López y James Castle, que, en mi opinión, nos ejemplifican respectivamente lo que supone ser un gran pintor profesional pero un mediocre artista, en el caso del primero, y un pintor casi aficionado pero, sin embargo, un gran artista, en el caso del segundo.

“Una obra nunca se acaba, sino que se llega al límite de las propias posibilidades.”
Con estas palabras el pintor Antonio López García resume su particular modo de acercamiento al objeto a pintar. Sus cuadros se desarrollan a lo largo de varios años, décadas en ocasiones, con una plasmación lenta, meditada, destilando con cada pincelada la naturaleza del objeto o paisaje a representar, hasta que el pintor cree haber logrado plasmar la esencia del mismo en el lienzo. El pintor busca entre la realidad que le rodea aquellos aspectos cotidianos, que él recoge con un tratamiento pleno de detallismo, rozando, en ocasiones, lo fotográfico. Sus preferencias van desde las vistas de Madrid hasta los retratos de sus familiares, pasando por los lugares y objetos más cotidianos y cercanos, con una atmósfera que pretende ser mágica y ensoñada.

A lo largo de la mayor parte de su carrera pictórica, Antonio López ha desarrollado una obra independiente, en medio de un panorama artístico estructurado en base al informalismo y la abstracción. Y siempre ha mostrado la labor paciente de un gran pintor de oficio pero de escaso relieve artístico. Su obra nos produce casi siempre la sensación de falsa autenticidad y de escasa emoción. Aunque conozco personalmente a Antonio López (que me parece una gran persona y un artista muy honesto), su obra no es en mi sentir ni mucho menos superior artísticamente a las mejores propuestas del realismo y del expresionismo figurativo español contemporáneo (Zarco, Villaseñor, Toral, Barjola, Úrculo, Ramón Gaya, Carmen Laffon, Isabel Quintanilla, Amalia Avia, Guillermo Pérez Villalta, Francisco y Julio López Hernández, etc.). Tampoco parece artísticamente superior a las obras más relevantes de las tendencias realistas europeas más recientes ni a las mejores propuestas del hiperrealismo americano.




Pasemos ahora a la obra de un gran artista, sordomudo y analfabeto: James Castle (1899-1977).
Nacido en el estado de Idaho, James Castle vivió al margen del mundo del arte: su producción artística, concentrada en dibujos sobre papeles de reciclar, cajas y cartones de tetrabrik con lápiz grafito y hollín, construcciones de cartulinas coloreadas adheridas con cuerdas, y libros realizados a mano no poseen título, ni fecha, ni indicación que revele cronología alguna. La incógnita que supone esta técnica heterodoxa y la alteración de las herramientas de clasificación artística, queda subrayada por el hecho de que nunca concedió ninguna entrevista ni realizó comentario alguno que aclarara su obra.
La gran producción artística de Castle fue conservada gracias a su cuidadosa y obsesiva perseverancia, lo cual no deja de resultar extraño en un artista que nunca demostró especial querencia por el mundo del arte profesional. Su reconocimiento se produjo ya en los noventa de la mano de nociones como arte marginal, las cuales potenciaban lo biográfico por encima de las cualidades propias de su obra. Su personalidad, su sordera y el hecho de que fuera prácticamente analfabeto fueron factores importantes que intervinieron en la atención que generó como “supuesto” artista salvaje-naïve de mediados del siglo XX. Sin embargo, su obra refleja un especial interés intelectual y conceptual y nos muestra las grandes posibilidades artísticas de la representación visual contemporánea: su tendencia hacia la esencialización y el diseño compositivo de sus sencillos y esquemáticos dibujos de paisajes e interiores rurales y de granja, o de sus caras, la mágica dimensión de sus objetos tan cotidianos, y foráneos al mismo tiempo (camisas, chaquetas, trajes, maniquíes, carretillas), el interés por representar figuras casi infantilmente robóticas y aves expresivamente ingenuas a base de collages de cartulinas unidas con cuerdas, el diseño de tipografías diversas así como de fragmentos arquitectónicos como si se trataran de proyecciones del organismo humano revelan unas personales cualidades artísticas alternativas a la representación formal de la segunda mitad del siglo XX.

Un nuevo y magistral Hitchcock: “El perfecto anfitrión”, complejo y perfecto cóctel de locura, engaño, fingimiento y real irrealidad.

Estamos ante una joya del cine puro, de compleja intriga y perfecto ingenio, magistral propuesta neohitchcokiana, coctail perfecto de locura, engaño, fingimiento y real irrealidad con una mezcla de thriller y comedia negra que mantiene en su butaca al espectador durante su proyección.

Warwick Wilson vive en un barrio acomodado de Los Ángeles. Siempre ha presumido de ser un perfecto anfitrión, por lo que no es extraño ver en su casa a diferentes personalidades. Esta noche tiene un invitado con el que no contaba: John Taylor, un peligroso criminal que acaba de atracar un banco y que, para escapar de la policía, se hace pasar por un amigo de Julia, una amiga especial de Warwick.

Una vez dentro, Taylor intentará por todos los medios que Warwick no se entere de su condición de delincuente, pero a medida que las copas de vino se van llenando y que transcurre la velada, Taylor descubrirá que las apariencias engañan, y Warwick le envolverá en situaciones de lo más insólitas, saliendo a relucir la verdadera naturaleza de anfitrión e invitado.

"El perfecto anfitrión" es un oscuro y magistral thriller, complejo y perfectamente excéntrico, que manifiesta diversos aspectos de la naturaleza humana según la condición que se posea o la situación en la que uno se halle. Escrita y dirigida por el australiano Nick Tomnay, la película surge de un cortometraje llamado "The Host" que ya había creado con anterioridad el propio cineasta. Intriga, engaño, locura, fingimiento, giros ajedrecísticos, toques de humor negro y de real irrealidad para llevar a la gran pantalla una compleja historia de cine puro, con reminiscencias de Hitchcock, Mankiewicz y Losey y con moraleja de las bajezas humanas, mostrando un guión perfecto y calculado en el que no falta ni sobra nada y con extraordinarias interpretaciones de ambos protagonistas, David Hyde Pierce y Claine Crawford y de todos los secundarios. Obra maestra.

LA CALMA VOLUPTUOSA DE CLAUDIO DE LORENA.

Ayer asistí en el Museo del Prado a la gran exposición de Roma. El paisaje ideal clásico con obras maestras, entre otros, de Anibale Carracci, Domenichino, Goffredo Wals, Nicolás Poussin y, sobre todo, de Claudio de Lorena. Pero quedé impresionado muy especialmente por la obra de ese gran artista que fue Claude Gelée, llamado Claudio de Lorena. Sus grandes cuadros verticales, bañados en luz de atardecer o amanecer producen una irresistible emoción. ¿En dónde reside esa extraña y extraordinaria emoción? En que sabe aunar como nadie sus figurillas en múltiples posturas en el paisaje y en que en su pintura se dan la mano el barroquismo dinámico con el neoclasicismo compositivo y sus paisajes se bañan en una misteriosa luz dorada de sol de amanecer o atardecer que preanuncia el romanticismo y el impresionismo. Como decía magistralmente Eugenio d’Ors, “se puede establecer genéticamente una cadena que une a Claudio de Lorena con Constable, con Turner y con los impresionistas”. Son en sus obras maestras, Moisés salvado de las aguas y sobre todo, El Arcángel Rafael y Tobías y el Embarque en el muelle de Ostia de Santa Paula Romana las que guardan un sutil temblor de emocionante romanticismo. Aquí no hay más que orden de vida, y panteística belleza, lujuriosa sencillez en las figuras pero calma, mucha calma aunque voluptuosa. Uno de los espectáculos más sublimes que a una retina sensible a la pintura le es dado contemplar. ¡Emocionante!

La eclosión de una gran actriz: Kristen WIIG, la reina actual de la comedia americana.

Kristen WIIG, la eclosión de una gran actriz:
Con la interpretación en dos estupendas, dinámicas y gamberras aunque intrascendentes comedias, Paul, el extraterrestre y, sobre todo, La boda de mi mejor amiga, hemos asistido a la eclosión - algo tardía porque la actriz ha cumplido ya los 38 años- de una gran intérprete de comedia: Kristen Wiig. Wiig es una de esas actrices de desparpajo cómico (al estilo de Goldie Hawn, Meg Ryan o Cameron Díaz) aunque en mi opinión, superior en naturalidad y expresividad a las tres citadas.
Kristen Carroll Wiig nació el 22 de agosto de 1973 en Canandaigua, Nueva York, Estados Unidos. Su rarísimo apellido es de origen noruego. Con tres añitos se mudó a Pensilvania, pero volvió a la Gran Manzana, a Rochester, donde se graduó en el instituto. Luego marchó a estudiar arte a la Universidad de Arizona, y un profesor, viendo su desparpajo, le recomendó que tomara clases de interpretación para conseguir sus créditos: había nacido una actriz. Pronto estuvo en el grupo de teatro improvisado The Grounlings, sito en Los Ángeles. Allí conoció a Annie Mumolo, con la que preparaba sketches, y que más tarde escribiría con ella el guión de la película que la ha catapultado a la fama, La boda de mi mejor amiga.
En 2006 se produjo el debut de Wiig en cine, un pequeño papel actoral en Lío embarazoso de Judd Apatow. La artista había entrado en la órbita de este comediante, y la fuerza no de su gravedad sino de su comicidad ya no la soltaría, y de hecho ha estado en otros títulos de la factoría Apatow como Dewey Cox: una vida larga y dura (2007) o Paso de ti (2008), con frecuencia en papeles fugaces.¿Ha estado Wiig en películas de géneros distintos de la comedia? Pues la verdad es que no. Hay algún trabajo en este campo que incorpora elementos dramáticos, como Adventureland (Gregg Mottola, 2009), que aunque incorpora gags en torno a la promiscuidad, trata de tener un toque romántico. Este director volvería a recurrir a Wiig en Paul (2011), comedia de extraterrestres donde la actriz es una tuerta fanática religiosa y mojigata que recobra la vista y luego en venganza de su anterior austeridad se desmadra un poco.
Pero sin duda la película más importante hasta la fecha en su carrera es La boda de mi mejor amiga (2011) donde repetía con Paul Feig, que la dirigió en ¡Peligro! Menores sueltos. Wiig ha demostrado una extraordinaria fuerza interpretativa para sostener actoralmente una película con protagonismo absoluto, y encima es corresponsable del guión. Tiene gracia y encanto natural, y un cierto aire de normalidad patoso que se gana las simpatías del público cinéfilo. Habrá que ver si logra mantener la gran altura interpretativa que ha alcanzado en La boda de mi mejor amiga, esperando que esta actriz pueda desarrollar toda la brillante carrera y futuro que le auguramos, Por el momento está ultimando la esperada Friends with Kids, donde le acompaña Megan Fox.

El realismo mistérico de Haruki MURAKAMI.

El realismo mistérico de los cuentos de MURAKAMI

Lo mistérico es aquello que se presenta como real aunque misterioso y que no se plantea o se pretende explicar. Las razones para esta negativa a explicar los detalles del comportamiento humano pueden ser variadas. Desde razones de defensa de la propia intimidad ante represalias de colectivos mayoritarios, o la protección de intereses personales, o la vivencia de pertenecer a una exclusiva forma de pensar o sentir, o simplemente la imposibilidad de explicar racionalmente esos datos relacionados con los seres humanos y su lógica del comportamiento.

Viene esto a colación al tratar de reflexionar - tras la lectura del libro de relatos Sauce ciego, mujer dormida del gran escritor japonés Haruki Murakami - sobre este extraordinario volumen de veinticuatro cuentos que ofrecen, condensadas y esencializadas, las mejores cualidades del escritor japonés, y son una muestra inmejorable de su dominio de la ligereza y, al mismo tiempo, de la gravedad de las situaciones y actitudes de sus protagonistas. Basta un detalle nimio o un golpe de azar para que algunos de los protagonistas de estas historias queden sumidos en una misteriosa melancolía, como si adivinaran en un gesto imprevisto el lado oscuro, misterioso, inexplicable o, tal vez, mágico, que esconden los comportamientos cotidianos. Porque no son cuentos naturalistas o realistas, ni simbólicos, ni propiamente oníricos o surrealistas, ni tampoco psicológicos o de crítica social, aunque no dejan de tener algo de todos esos aspectos que pueden contener los relatos de algunos de los otros grandes escritores contemporáneos que hemos podido leer (pienso en Kundera, en Cheever o en Carver, en Quim Monzó o, incluso, en Vicente Verdú).

El secretismo y exclusivismo de algunos de estas actitudes y comportamientos de los protagonistas de estos relatos de Murakami conllevan a una serie de situaciones y consecuencias que, teniendo su lógica interna y psicológica (de lo subconsciente), no dejan de parecernos extrañas y misteriosas (mistéricas) a los lectores de estas historias y, nos dejan un halo de trascendencia, de meta-lógica (de lo sobre-consciente) que nos pueden llevar a definir como “realismo mistérico” el estilo de este gran cuentista japonés. Y es ahí donde radica su inolvidable personalidad literaria que nos hechiza y subyuga.