EL PRÍNCIPE AZUL. A Loretti Rojas Ciscutti.

                                         En el cristal ahumado y borroso por el vaho
                                             de la ventana de cualquier café,
                                               puede estar tu príncipe azul,
                                                              mirándote.

¿PERO QUIÉN ES JORGE GONZÁLEZ?



Jorge González es un genial dibujante argentino, novelista gráfico e historietista  y publicista. Reside desde  años en España. Fue en Madrid donde comenzó su labor de  dibujante con “Hard Story” y “Hate Jazz” (Heavy Metal), ambas con guión de Horacio Altuna. Desde hace años también se dedica a la publicidad realizando ilustraciones y storyboard. Con “Fueye” (2008), Jorge González ganó el Primer Premio Internacional de Novela Gráfica creado por Fnac y Ediciones Sins entido.

Soy un admirador y seguidor de Jorge González y de sus apasionantes historias gráficas. ¿Por qué? Porque es un artista total que reúne en sus libros de dibujos e ilustraciones en las historias que nos cuenta las cualidades pictóricas y expresivas propias del pintor, el dibujo libre y desenfadado pero que nos ilustra e ilumina, característicos  del ilustrador, y, en fin, el grafismo viñetista y documental que cuenta historias, específicos del autor de cómics y novelas gráficas. El valor de sus dibujos no es sólo por su expresividad y pictoricismo, sino por el carácter narrativo que el artista les confiere. Son imágenes que valen por sí mismas pero, al mismo tiempo, se entienden no sólo para ser vistas sino para ser leídas con independencia del texto que, a veces las acompaña. Diríamos como si las imágenes “hablaran” y como si no fuera necesario el texto. Sus dibujos e ilustraciones adquieren así  un doble valor trascendente: plástico y literario. Sus últimos libros “Dear Patagonia”, “Retour au Kossovo”, y  “El gran surubí”, nos confirman y reafirman  este carácter de trascendencia y universalidad manifestados ya en Hard Story y en Hate Jazz  y plasmados plenamente en el genial Fueye. El ritmo de las imágenes es casi cinematográfico, y, siendo claras en su expresividad comunicativa, son, al mismo tiempo, abocetadas, empleando el recurso de la sobre-posición, esto es,  rostros debajo o sobre otros rostros, manos debajo o sobre otras manos, como si estuviese dibujando a la vez el pasado y el presente, que sólo puede mirar hacia atrás mediante capas superpuestas y transparentes. Lo genial de Jorge González es que muy pocas veces nos encontramos – como sucede en su caso- con autores de novela gráfica que nos inspiren la misma sensación de trascendencia y universalidad que podemos encontrar en la alta literatura o  en la buena pintura.

¿PERO QUIÉN ES  MARTA CÁCERES?

Pese a no ser tan popular, una de las periodistas que más me impresionan actualmente por su profesionalidad y humildad es Marta Cáceres. Es una de las contadas y singulares periodistas que se pone humildemente al servicio del entrevistado, que estudia profundamente los temas que va a tratar para sacarles el máximo jugo y rendimiento y que hace las preguntas con gran certeza y agudeza,  aprovechando al máximo el tiempo del que dispone.

Marta Cáceres es una gran reportera y periodista radiofónica y televisiva, es licenciada en Periodismo y tiene ya una dilatada trayectoria televisiva desde que hace 20 años, en el año 1992, comenzara su carrera profesional como becaria en televisión. Nacida en Sabadell, ha estado al frente de distintos programas de información y entretenimiento, tanto en canales nacionales como autonómicos. Vinculada a TVE desde hace seis años, las últimas cuatro temporadas ha sido reportera del programa "Repor" . Anteriormente, también ha presentado programas como "Catalunya Avui" y "Gol Nord", y participado en otros tantos como "Leonart", "Memòries de la Tele", "Página 2" o el "Especial 50 años de…". Actualmente es la persona que está al frente del Programa “Para Todos” de TVE en la segunda cadena.

Marta Cáceres es la viva representante de lo que es y debe ser el periodismo de información y comunicación y un magnífico ejemplo de la nobleza y grandeza de esta profesión. Desde  mi humilde blog quiero rendir un modesto homenaje a esta gran periodista.

Un amour de jeunesse, el resplandor de la pasión fogosa y ardiente de la adolescencia que nunca se apaga…

Ya he señalado en varias ocasiones que el cine francés o francófono (belga, canadiense, argelino) tiene dos modos de enfrentarse a la cámara: un registro sentimental o amoroso y un registro sociológico: de ello son prueba dos excelentes películas ahora en la cartelera, Un amour de jeunesse y Profesor Lazhar.

Hoy nos ocuparemos de la primera.   La cámara de Mia Hansen-Løve penetra en las calles de París y en la campiña del valle del Loira para captar  el amor adolescente de Camille, una chica que ama con locura a Sullivan y cuyo corazón sufrirá el primer desencanto cuando él decida irse a Latinoamérica en busca de aventura… y al poco tiempo deje de escribirla. La chica debe rehacerse y “pasar página” (como le dice su padre)… y un maduro profesor de arquitectura será quien le dé la seguridad en sí misma que necesita y el sentido a su vida. “Un amour de jeunesse” es el resplandor de esa pasión fogosa y ardiente que nunca se fue de la memoria pero que dejó un rescoldo de dolor y melancolía. Es la luz tenue de la que habla el arquitecto en sus clases, y la huella que el entorno deja en alma de quien habita un espacio.

 Del frío invierno de la ciudad pasamos al despertar de la primavera en una excursión campestre donde la luz cálida llega con la felicidad más intensa, para después evidenciar la diferente manera de vivir el amor de cada uno: posesión y exclusividad frente a autonomía y distancia, compromiso y sensibilidad frente a volubilidad e indiferencia. Atmósferas efímeras que se esfumarán con los viajes por Centroeuropa y con la estabilidad emocional de Camille, hasta que la oscuridad de la noche vuelva a invadirla con recuerdos y temores… aunque ya no es tan inocente como antes. Es el resplandor de la adolescencia, que se resiste a desaparecer.

Magnífica es la traslación cinematográfica dependencia de afectos y ambientes, pero lo más llamativo y novedoso de esta película es la profunda reflexión que se hace sobre la arquitectura como manifestación de la soledad o apertura de quien la proyecta, del vacío y de la compañía, de la luz y de la oscuridad, del resplandor de nuestras vidas  o como espejo y reflejo de un mundo individualista o solidario. Mia Hansen-Løve se interesa por los espacios y sabe reflejar con ellos una necesidad anímica de expansión, unas familias rotas y fracasadas, o un flujo de afectos que van y vienen invadiendo los compartimentos del espíritu. En su retrato adolescente hay una mirada íntima y pudorosa al alma de sus personajes, aunque no lo sea tanta a sus cuerpos, siempre desde el prisma femenino. A la directora le interesa el proceso de maduración en el tiempo y el peso de los primeros afectos, y gracias al gran trabajo interpretativo de Lola Créton consigue capturar esas emociones con total naturalidad y frescura. No hay excesos melodramáticos pero tampoco frialdad distanciadora para transmitir el sentimiento dulce y suave de unos momentos que la directora recuerda de su propia experiencia autobiográfica.

“Un amour de jeunesse” se nos presenta en cierto modo como heredera de la nouvelle vague francesa y, sobre todo, de Rohmer, intentando captar la realidad de la calle y de otra más interior. Tierna y sentimental, sensible y delicada, Un amour de jeunesse es la crónica de una maduración en el amor y el desamor, la historia de búsqueda de una libertad que Camille y Sullivan persiguen de manera distinta, la huella de unos sentimientos que eran el resplandor de adolescencia.

La película retrata el resplandor de esa pasión fogosa de la adolescencia que nunca se apaga. Porque el amor no es sólo una “enfermedad” de los adolescentes. Con los años uno puede ganar  cierta madurez (no siempre), pero la forma de sentir es siempre la misma. Lo ideal es nadar siempre hacia adelante en el río de la vida y dejar que ese río de la vida se lleve aquello que nos hace mal (el gorro de paja que le regaló Sullivan a Camille).

LAS MALAS HIERBAS, el amor fou de RESNAIS.

En “Les herbes folles” (Las malas hierbas o Las hierbas salvajes) el veteranísimo cineasta Alain RESNAIS  nos habla de vida y cine, utilizando ambos lenguajes indisolublemente: la rutina de la vida puede provocar y convulsionar la manera de verla, y, en su caso, de rodarla. También puede ser el motivo por el que el cineasta realice una adaptación literaria (L’incident de Christian Gailly) como mirada cinematográfica mediante un juego de interrogantes e incertidumbre en lo cotidiano.

Una serie de “catastróficas desdichas”: un robo de un bolso, filmado como si fuera el vuelo de un avión, suspendido en el aire, o el encuentro con esa billetera por parte de un sesentón: un romántico y surreal thriller. Pero la cotidianidad transgredida empapa una serie de encuentros y desencuentros de unos personajes atrapados en un destino que desconocen: son meras hierbas (hierbas locas y salvajes) que crecen en el duro asfalto y con el futuro 
incierto del vivir  cotidiano.

Un hombre, Georges Palet (André Dussolier), sesentón, aunque casado, un solitario obsesivo del amor. Tres mujeres: Una pelirroja mujer, Marguerite Muir (Sabine Azema), también sesentona, dentista y aviadora (el amor loco que no se resigna a ser platónico). Una esposa guapa y mucho más joven, Suzanne (Anne Consigny), abnegada y comprensiva  (el matrimonio). Una amiga fiel Josépha (Emmanuelle Devos), también dentista, sensual y deseada (el amor erótico).  Una cartera roja. Un comprensivo policía (Mathieu Amalric). Las avionetas. El cinema. El teléfono. Las hierbas, las hierbas locas.  El amor fou para matar la soledad y el aburrimiento burgués. Oh, la, la… Los comportamientos parecen absurdos, ilógicos, pero son mucho más reales de lo que parece. Muchas veces el ser humano no actúa ló-gi-ca-men-te sino
psico-lógicamente.

Qué placer visual es el cine: las piernas de los transeúntes que andan por el asfalto, un zapato que encaja en un delicado pie femenino, un bolso que vuela por los aires, la brocha de límpido color azul que se desliza por la fachada de la casa, la cremallera de una bragueta que no cierra, los malabarismos de una avioneta en el cielo… Una nueva (al tiempo que antigua o vieja) manera de contar del viejo Resnais. ¿Una vieja manera? O sea: un clásico. Vive le cinema français. Sírvame un poquito más de cine francés (Renoir (“Boudu salvado de las aguas”), Godard (“Al final de la escapada”), Truffaut (“Besos robados”), Tati (“Play Time”), Rohmer (“Le genou de Claire”) y... ahora, este Resnais. Muy rico todo. Merçi beaucoup. Chef d’oeuvre.

GUARDIOLA O EL FRACASO FINAL DE UN ARTISTA INSISTENTE DEL FÚTBOL-ARTE:

El juego del Barsa es análogo a un pintor que pintase composiciones con muchas figuras (mucha posesión, muchos centrocampistas, dominio de todas las partes del campo) y en posturas inverosímiles o muy difíciles (jugar sólo con tres defensas, hacer constantes paredes para meter goles, jugar sin extremos y sin delantero centro) y con los toques geniales (de Messi). Ese juego (ese cuadro) para que salga bien hay que realizarlo  con una técnica perfecta y con la inspiración genial del artista (MESSI). Guardiola (el pintor) ha insistido siempre en la misma composición y el mismo cuadro (e incluso se ha permitido el lujo de amanerar y complicar más la composición ( tres defensas, cuatro centrocampistas) frente a equipos (artistas) con muy buena técnica Real Madrid o Chelsea  y en exposiciones públicas, pintores que hacían  lo contrario (composiciones sencillas pero eficaces, pocas figuras, buena técnica) que no arriesgaban mucho y sabían que era más fácil que los cuadros les saliesen bien. Como la técnica del pintor (Guardiola) es tan grande (tiene técnicamente tal vez los mejores jugadores del mundo) y la genialidad aparecía muchas veces (en la figura de Leo Messi), los éxitos han sido muy frecuentes y abundantes. Pero el pintor (el entrenador Guardiola) ha insistido  siempreen la misma compleja composición y en el mismo cuadro. Y cuando la inspiración, el cansancio, las bajas (Villa, Alexis, Pedro y, sobre todo la de Abidal) han aparecido y  se ha producido el inicio de la decadencia  de algunos jugadores (Xavi y Pujol), se ha producido el fracaso final del artista Guardiola (un artista que ha realizado siempre cuadros muy buenos, pero muy parecidos con composiciones muy arriesgadas con muchas  figuras y en posturas inverosímiles muchas veces) y que,algunas veces han sido geniales pero que han llegado a amanerarse y cansar al propio pintor y al espectador. No obstante, demos las gracias a un gran pintor ( un gran entrenador) que nos ha legado durante cuatro años no pocas obras maestras (del fútbol).

¡VIVA EL ARTE DEL FÚTBOL Y EL FÚTBOL ARTÍSTICO!

ENSAYANDO EL MISÁNTROPO, de Luis d’Ors, interesante propuesta de “Teatro después del Teatro”.

-ENSAYANDO EL MISÁNTROPO , de Luis d’Ors, interesante propuesta de “Teatro después del Teatro”.

Ayer asistí al Estreno de Ensayando el Misántropo, escrita y dirigida por Luis d’Ors en el Teatro de la Abadía de Madrid. Se trata de una tragicomedia contemporánea, teóricamente escrita y pensada a partir del clásico de Molière, Es un proyecto pensado como work in progress, es decir, el texto tiene que irse transformando por la personalidad de cada intérprete en los ensayos. Por tanto tiene el encanto (pero también el inconveniente) de que cada representación puede y permite improvisarse y puede ser muy distinta de la del día anterior. En esta representación de Luis d’Ors se cuenta con la presencia casi continua de los ocho intérpretes en el escenario, y el marco del propio teatro se utiliza como ambientación de la pieza. Incluso antes que nosotros, los espectadores, vayamos a sentarnos en nuestras butacas, los actores se encaran con nosotros, nos ofrecen sus servicios para que vayamos a ver las obras que ellos personalmente representan y hasta alguna representante teatral te extiende su tarjeta de visita ofreciendo sus servicios…Asimismo nos ofrecen un coctail, como si ya hubiéramos asistido a la obra de Molíére. El tema gira en torno a lo que sucede después de un ensayo de El Misántropo. (Debería así titularse Después de la representación de "El Misántropo" de Moliére). Alguno de los conflictos de la comedia de Molière son llevados en clave contemporánea a las relaciones entre los actores de la compañía, la representante, el productor, la actriz invitada, el actor de otra compañía... Más que “Teatro dentro del Teatro”,sería “Teatro después del teatro”: ahí reside la originalidad de la propuesta.

La propuesta es original y valiente. El texto por momentos es delicioso, muy divertido, irónico y sarcástico. Ahora bien, es algo ambigua por momentos la semántica intencional y confunde al espectador que tarda en entrar en el espíritu y sentido de la obra. ¿A qué se debe esto? A que no sabemos si es una obra que pretende ser una propuesta autoral y personal de Luis d’Ors (lejanamente inspirada en “El Misántropo” de Moliére), en cuyo caso debería de ser más rotundamente separada de cualquier referencia a Moliére, o si es un texto que sigue las líneas de conflicto y espíritu de la obra de Moliére, a mi juicio no me lo acaba de parecer y debería de presentarse más "pegada" o unida a la obra del gran comediógrafo francés. Si concebimos la obra como un boceto o un ensayo para -sobre ese texto y esa idea de espectáculo teatral- realizar una obra definitiva, no sólo me parece válida sino que puede dar lugar a una obra maestra si se elige alguno de los dos caminos señalados y se corrigen aspectos técnicos, compositivos y conflictivos que en ocasiones no son rotundos ni catárticos. Si se pretende que la obra sea coral, los personajes han de ser más dibujados en sus personalidades o elegir sólo dos o tres o cuatro de los principales y que el resto queden como comparsas o acompañantes de los protagonistas como sucede en la mayoría de las obras de teatro. El conflicto vital y personal del personaje de Max (El misántropo) no produce la catarsis necesaria.

En general las interpretaciones son magníficas (Luis d’Ors es un extraordinario director de actores), destacando a mi juicio el tratamiento actoral del personaje de Teo (Camilo Rodríguez), un actor de la compañía que trata en todo momento de poner orden y armonía entre todos, la interpretación sarcástica y con muy mala uva de Cati (Cecilia Solaguren), como la representante de actores, y la histriónica e intencionadamente sobreactuada interpretación de Juan Ceacero (uno de los más geniales actores que hoy pisan los escenarios) en el papel de Fran Cox, joven actor de otro teatro y, por último, magnífica interpretación de Teresa Hurtado de Ory en su papel de Bárbara, la joven y atractiva actriz invitada, inexperta pero engreída, así como coqueta y demasiado cariñosa fémina. También destacaríamos el papel protagonista de Ricardo Reguera en Max, el actor que interpreta a Alceste, el misántropo, si no fuera porque en ocasiones un leve deje de divismo (tal vez necesario para su papel de Max). El resto están adecuados en sus papeles más secundarios. No siempre la dicción y la voz es clara y nítida. Al que esto escribe le gustan más las interpretaciones cuando los actores “interpretan” (sin más) que cuando “juegan a interpretar que interpretan”. A mi juicio existen dos clases de interpretaciones válidas en el Teatro: las naturales, es decir, las que aunque se interprete parezca esta interpretación natural, y las histriónicas (que ironizan sobre el personaje que interpretan y se burlan de él). En esta obra son ejemplos magníficos de ambos tipos, la de Camilo Rodríguez en el papel de Teo, como representante del primer tipo y la de Juan Ceacero en el papel de Fran Cox, como representante del segundo.

El movimiento escénico y de los actores así como la composición de escenas es irregular: hay momentos magníficos, generalmente cuando hay dos o tres actores en diálogo, no estando siempre conseguido cuando los actores quedan fuera de escena, al fondo del escenario. Los momentos dramáticos en general son menos felices que los cómicos, sarcásticos o humorísticos. Los momentos de tirar la copa al suelo o del lanzamiento de los papeles al aire no están logrados. La música insistente entre diálogos sí es magnífica con el mismo leitmotiv. El final en lectura narrativa sí está muy logrado y produce emoción teatral.

Interesantísima propuesta que merece revisarse y revitalizarse de un teatro nuevo y de futuro.