MIDNIGHT IN PARIS, un cuento mágico, culturalista y estereotipado en Homenaje al París de los Años 20 y de La Belle Epoque.

Woody Allen nos ha regalado una deliciosa comedia en forma de nostálgico y estereotipado cuento mágico del París de los años 20 y de la Belle Epoque que es un constante homenaje a la Ciudad de la Luz. Y también es un irónico “cuento de hadas” de la ingenua visión prototípica y literario-artística que tienen no sólo los americanos y el propio Allen, sino todo el mundo sobre esta maravillosa ciudad. Asimismo nos presenta un culturalista cuento de personalidades de aquella época con el pretexto de los imaginarios (pero muy reales para el protagonista) encuentros nocturnos y noctámbulos de éste con personajes del París de aquellas épocas : desde los admirados americanos que pulularon por allí como son Scott Fitzgerald, Hemingway y Cole Porter , pasando por Picasso, Gertrude Stein, y los surrealistas Dalí (con sus “rinoserontes”), Buñuel (estupenda la broma con el argumento de su película “El ángel exterminador” que el propio Buñuel no acaba de entender) o el fotógrafo Man Ray hasta llegar a Matisse, Toulouse Lautrec o Degas; un Homenaje al París literario y artístico.

A diferencia de otras más escépticas con el ser humano y sus posibilidades, esta última película de Woody Allen es esperanzadora y optimista en el sentido de que su protagonista Gil se va a tomar en serio a sí mismo, no solo como escritor, sino como ser humano, afrontando la realidad y reconociendo que la satisfacción espiritual y la felicidad que se requieren para pasar por la vida son algo que está dentro de uno mismo y es una decisión propia. Así que la película es esperanzadora en cuanto Gil llega a la conclusión de que es mejor no engañarse a uno mismo; que es mejor no hacerlo y eso incluye quedarse en el París de sus sueños literarios y vitales. Así vuelve a ser con ello otro Homenaje a París.

La película es también un delicioso Homenaje a París , al París más famoso y turístico, porque incluye en el transcurso de la misma algunos de los lugares más bellos y emblemáticos de la Ciudad de la Luz: así el recorrido fotográfico -casi postal- al inicio de la película de los lugares más conocidos y turísticos del París de luz dorada del atardecer y del lluvioso y de mágicas luces nocturnas, como son la Place de la Concorde, les Champs Elysees, la Place Vendome y la rue de la Paix, la Ópera, Notre Dame y el Sena con el Pont Neuf, los jardines de Luxembourg, la Tour Eiffel, la Place d’Etoile con el Arco de Triunfo, el Louvre y la Pirámide de Cristal y el Moulin Rouge.

Pero las localizaciones de la película van haciendo pasar por nuestros ojos algunos de los lugares más apreciados de París, entre los que se cuentan la librería Shakespeare & Company; los jardines y el Salón de los Espejos de Versalles; los jardines de Monet en Giverny; el Museo de l’Orangerie (los cuadros de los nenúfares de Monet); el Museo Rodin; el mercado Paul Bert (el Rastro); la calle Montagne St. Genevieve (adonde Gil va a medianoche); la plaza del jardín de Notre Dame–Juan XXIII (donde la guía del museo Rodin -Carla Bruni- traduce para Gil); el Pigalle nocturno con sus prostitutas; la escalinata del Sacré Coeur; la plaza Dauphine; el restaurante Maxim’s (donde Gil encuentra al inevitable Toulouse-Lautrec dibujando); el muelle de la Tournelle con los puestos de libros; el puente Alexandre III, así como los restaurantes Le Grand Véfour, Les Lyonnais y Lapérouse. Y un maravilloso elenco actoral (bellísimas son y están las mujeres que aparecen en el film, Rachel McAdams, Marion Cotilliard, Nina Arianda, Carla Bruni y Léa Seydoux y estupendos los intérpretes masculinos Owen Wilson y Adrien Brody) –que disfrutan interpretando y nos hacen disfrutar.

Por último la película es asimismo un Homenaje a París en el sentido de las infinitas posibilidades que existen en esta ciudad y eso es lo que celebra el film y lo que celebramos todos al disfrutarla. Maravillosa película.

EUROVISIÓN 2011, ¿la mejor edición de la historia?

Festival

de

Eurovisión

2011,

¿la mejor edición de la historia?

No sé si es demasiado arriesgado decir que la edición del Festival de Eurovisión 2011 es la mejor en calidad de la historia, pero sí puedo afirmar que la calidad de la mayoría de las canciones seleccionadas para la final es muy alta, así como la de sus intérpretes, además de una impresionante escenografía en muchos casos (deberían de estar muy atentos al televisor mañana sábado la gente del mundo del teatro). Y desde luego las canciones que representan a Italia, Hungría, Alemania, Francia, Reino Unido y Azerbayán son de las más bellas de las últimas ediciones. También son de muy estimable calidad interpretativa y musical las de Rusia, Irlanda, Bosnia, Estonia, Islandia y Suecia.

Pero la gran noticia de esta edición es que Italia regresa a Eurovisión y lo hará después de 13 años que el país no participa en el Certamen Europeo de la Canción de la UER. Italia es un país de grandes canciones y cantantes. Algunos dicen que ese toque de jazz de la canción “Madness of Love’” (con lo bonita que es cantada en italiano Follia d’ amore) que representa este año a Italia nunca ha triunfado en Eurovisión pero eso no significa que alguna vez lo pueda hacer y este año podría y debería ser posible, creo yo. Llena de energía, la canción de Raphael Gualazzi, una bellísima fusión de jazz y soul al piano, combinando el inglés y el italiano, es para mí la más bella musicalmente hablando y de esas que hacen grande una edición como ésta.

Kati Wolf representa a Hungría después de haber sido elegida de forma interna por la televisión de su país. A pesar de que la canción “ What About My Dreams" con la que acudirá a Düsseldorf fue presentada inicialmente en húngaro, se interpretará finalmente en inglés, aunque la nueva versión combina estrofas en inglés y en húngaro, pero manteniendo intacto su sonido pop heredado de los éxitos de los 80. La potente, intensa y sonora voz de Kati impresiona con esos discursivos falsetes con una cálida voz que recuerda a la belga Lara Fabian o a nuestra Malú en una bellísima y emotiva canción.

Lena Meyer-Landrut ganó Eurovisión el año pasado y está dispuesta a reeditar su éxito con Alemania. Me vuelve a gustar mucho la canción de la nabokovkiana “lolita” Lena con ese toque de pop futurista tan sutil, aunque me parece una apuesta muy arriesgada, porque no sé si será una canción que gustará a todos los oídos como al mío. Pero "Taken by a stranger" le da un toque diferente al festival, y es probablemente la canción más moderna de esta edición. Además se las han arreglado para que la puesta en escena también acabe con los cristales rotos, como en el vídeoclip, y Lena la interpreta con sensual y coqueta displicencia.

Francia apuesta este año por una preciosa y grandilocuente ópera casi en registro de himno “Sognum” que cantará en corso el joven Amaury Vassili, un himno interpretado con mucho ángel por este joven cantante. Desde el primer momento, Vassili figura entre los favoritos en todas las apuestas europeas con esta clásica pero novedosa candidatura, ya que no es habitual escuchar este tipo de canciones en Eurovisión.

Reino Unido apuesta por una canción “ I Can” y una boyband Blue conocida en toda Europa que logró un gran éxito a comienzos de la década pasada y que se han vuelto a reunir para representar este año a su país en Eurovisión con grandes voces y una extraordinaria armonía vocal entre sus componentes.

Azerbayán presenta uno de los pocos dúos que participan este año en Eurovisión y lo hacen con una romántica y bella balada dialogada, "Running Scared", que recuerda un poco a las rítmicas y pegadizas canciones que interpretan alumnos de series estudiantiles como la popular serie Glee. Eldar Gasimov y Nigar Camal acuden juntos al festival después de haber ganado por separado la final de la preselección de su país.

EL POST FESTIVAL. Finalmente la canción ganadora ha sido esta última de Azerbayan: indudablemente que era una de las más bellas, aunque creo que la canción de Italia hubiera sido la justa ganadora. Hay que hacer constar la injusticia cometida con la canción de HUNGRÍA, una de las tres mejores y con una grandiosa interpretación.

LA MUJER CON LA NARIZ ROTA, emotivo drama esperanzado en el amor de los seres humanos.

 Una joven con su bebé y la nariz rota se baja de un taxi que está atrapado en medio de un atasco en el Puente de Belgrado, deja a su bebé en el coche y se tira del puente.
Lo que comienza como un intento de suicidio frustrado conectará las vidas de los tres testigos: Gavrillo, el conductor del taxi, un curtido refugiado bosnio que no se separa del bebé; Anica, profesora de Instituto, la cual rememora del drama del accidente de coche en el que murió su hijo y mantiene una emotiva y sentimental relación con el hijo del asesino de su hijo, y la farmaceútica Bijana, que repentinamente se da cuenta de que no quiere casarse y rompe con su novio, mientras su cuñado y sacerdote demuestra su imposible amor de siempre por ella. La mujer con la nariz rota habla de las personas que sobreviven día a día en la realidad cambiante de una gran ciudad, que aspiran al amor y a la comprensión, aferrándose a los encuentros fortuitos.

Una lucha profundamente humana contra la soledad y para que los deseos y aspiraciones se hagan realidad. Es una película sobre el Belgrado de hoy, en un momento en que el péndulo de la energía y las emociones está oscilando desde los años de la guerra, destrucción y odio al otro extremo, a la vida, al redescubrimiento del amor y a la superación de las cicatrices del pasado. Este drama de Srdan Koljevic es una historia sobria pero emocionante sobre cómo un incidente puede poner en movimiento una serie de dramas que a veces se entretejen. La película resulta ante todo esperanzadora y cicatrizadora del dolor del ser humano. Utilizando un puente de Belgrado como símbolo entre la nueva y la antigua ciudad, la cinta expone de modo sobrio pero emocionante todas sus pretensiones metafóricas para entrar, de lleno, en un drama sobrio tocado por la esperanza en el ser humano, una neorrealista película coral de vidas cruzadas. Un taxista, una profesora traumatizada, una suicida, un bebé perdido y una farmacéutica indecisa, y todas sus circunstancias personales, pueblan un film que te hace sufrir para recompensarte finalmente con la esperanzadora redención y el triunfo del amor matrimonial y familiar. Gran y esperanzadora película.

Foto de Úrsula Matas en 1911

Evocació de LA BEN PLANTADA, cent anys després. La Ben Plantada no és pròpiament una novel.la, encara que això s'hagi dit, sinó un genial poema en prosa amb categoria intel-lectual de símbol literari. Descriu a una noia estiuejant a Argentona, on la família d'Ors tenia casa i, a través d'ella, simbolitza la identitat catalana. L'autor parla de la Raça, i escriu així aquest vocable, amb majúscula. La raça de la feminitat existeix i li serveix a l'autor per definir a una dona perquè vol encarnar-hi l'essència d'una terra i la d'un poble. Des dels temps de Torres i Bagés, la idea de país s'associava a un ideal de dona i així va ser com el Noucentisme va trobar la seva metàfora moral i de país, en el concepte femení de «La Ben Plantada». En carta a Unamuno, Eugeni d'Ors li va confessar que el model de La Ben Plantada es deia Úrsula Matas. Encara que amb alguns trets presos d'altres dones, una cosa inevitable en una elaboració literària. Segons altres, darrere de l'ideal d'aquesta figura de LA BEN PLANTADA, hi ha una altra dona de carn i ossos: Teresa Mestre de Baladía. El llibret és una obra mestra: està a l'altura de l'argument, i de veritat que aquest era un desafiament, la descripció i els corolarios més ambiciosos d'una estampa de dona entre el cel i la terra, d'un platonisme essencial, síntesi de la matèria i l'esperit, que havia begut la saba noble de tota la seva raça ancestral. Transcrivim només aquesta cita: "De Botticelli a la Gioconda hi ha un progrés en humanitat. Però el mateix augment de progrés i en el mateix sentit hi ha de La Gioconda a La Ben Plantada". D'Ors va publicar aquesta obra tres anys abans de la Primera Guerra Mundial, en 1911. Precisament la universalitat de la figura de La Ben Plantada va fer a l'autor difícil quedar-se sense més que en un mer símbol regional català. Com a nosaltres ens farà problemàtiques aquestes reflexions. En tenim prou amb sentir-nos en un lloc d'una delimitació precisa i d'una singularitat tan profunda i simbòlica com és aquest del Parlament de Catalunya. L'hispanista Jacques Fontaine va dir una vegada que la literatura és el fet superior de la vida. Evoca doncs amb mi l'estampa de la Ben Plantada que vindrà ara a nosaltres ia la qual veurem passar. Com es dirà? A la catalana universal la van posar Teresa. Joan Alcover va aplaudir aquest nom corrent, enfront d'altres possibles estudiats en un pedant llinatge clàssic. Com anirà vestida? En els temps de Teresa, la Ben Plantada, hi havia dos modes femenines, la cenyida i l'àmplia. D'Ors va escollir per a ella, la segona. Quin serà el color del seu pèl? Com seran els seus ulls? Quin to té la pell? Entreveure l'anatomia del poema dels seus peus en moure's. I el tall de les seves faccions? ¿I la seva postura, no tant en caminar sinó en fer-se present? Serà el seu somriure oberta i espontània o, usant la seva indiscutible dret, elegantment desdenyosa encara que només en aparença? I el timbre de la seva veu? Paraules màgiques que ens evoquen avui i aquí aquesta figura literària universal.

Carles d'Ors, 15 d'abril de 2011, Celebració amb la lectura de “La Ben Plantada”, amb motiu de la Diada de Sant Jordi a la seu del Parlament de Catalunya.



EVOCACIÓN DE LA BIEN PLANTADA, CIEN AÑOS DESPUÉS.

La Bien Plantada no es propiamente una novela, aunque eso se haya dicho, sino un genial poema en prosa con categoría intelectual de símbolo literario. Describe a una muchacha veraneante en Argentona, donde la familia d’Ors tenía casa y, a través de ella, simboliza la identidad catalana. El autor habla de la Raza, y escribe así este vocablo, con mayúscula. La raza de la feminidad existe y le sirve al autor para definir a una mujer porque quiere encarnar en ella la esencia de una tierra y la de un pueblo. Desde los tiempos de Torres i Bagés, la idea de país se asociaba a un ideal de mujer y así fue como el Noucentisme halló su metáfora moral y de país, en el concepto femenino de la «Ben Plantada».En carta a Unamuno, Eugenio d’Ors le confesó que el modelo de La Bien Plantada se llamaba Úrsula Matas. Aunque con algunos rasgos tomados de otras mujeres, algo inevitable en una elaboración literaria. Según otros, detrás del ideal de esta figura de LA BEN PLANTADA, hay otra mujer de carne y hueso: Teresa Mestre de Baladía. El librito es una obra maestra: está a la altura del argumento, y de veras que éste era un desafío, la descripción y los corolarios más ambiciosos de una estampa de mujer entre el cielo y la tierra, de un platonismo esencial, síntesis de la materia y el espíritu, que había bebido la savia noble de toda su raza ancestral. Transcribimos sólo esta cita: "De Botticelli a la Gioconda hay un progreso en humanidad. Pero el mismo aumento de progreso y en igual sentido hay de la Gioconda a La Bien Plantada". D’Ors publicó esta obra tres años antes de la Primera Guerra Mundial, en 1911. Precisamente la universalidad de la figura de La Bien Plantada hizo al autor difícil quedarse sin más que en un mero símbolo regional catalán. Como a nosotros nos va a hacer problemáticas estas reflexiones. Nos basta con sentirnos en un lugar de una delimitación precisa y de una singularidad tan honda y simbólica como es éste del Palau de la Generalitat para el propio Eugeni d'Ors. El hispanista Jacques Fontaine dijo una vez que la literatura es el hecho superior de la vida. Evocad pues conmigo la estampa de La Bien Plantada que vendrá ahora a nosotros y a la que veremos pasar. ¿Cómo se llamará? A la catalana universal la pusieron Teresa. Joan Alcover aplaudió este nombre corriente, frente a otros posibles rebuscados en un pedante abolengo clásico. ¿Como irá vestida? En los tiempos de Teresa, la Bien Plantada, había dos modas femeninas, la ceñida y la amplia. D’Ors escogió para ella, la segunda. ¿Cuál será el color de su pelo? ¿Cómo serán sus ojos? ¿Qué tono tendrá su piel? Atisbaremos la anatomía del poema de sus pies al moverse. ¿Y el corte de sus facciones? ¿Y su apostura, no tanto al caminar sino al hacerse presente? ¿Será su sonrisa abierta y espontánea o, usando su indiscutible derecho, elegantemente desdeñosa aunque sólo en apariencia? ¿Y el timbre de su voz? Palabras mágicas que nos evocan hoy y aquí esta figura literaria universal.

Carlos d’Ors, 15 de abril de 2011, celebración con la Lectura de La Ben Plantada con motivo de la Diada de Sant Jordi en el "Parlament de Catalunya" de Barcelona.

Ainhoa Amestoy d’Ors, una mujer de teatro

Ainhoa Amestoy d’Ors, una mujer de teatro. Nacida en Madrid, en 1977, se adentró en el mundo de la filología inglesa y de la literatura comparada, pero a base de ir al teatro desde muy pequeña terminó quedándose en el apasionante mundo del teatro, viviéndolo con pasión desde el principio desde sus múltiples facetas (actriz, directora de teatro, figurinista, gestora teatral), lo que le proporciona una rica visión que trata de desarrollar como directora, profesora, empresaria, actriz y gestora. Quizá también haya influido que su padre, Ignacio Amestoy, sea un gran autor teatral además de haber sido profesor y director de la Escuela de Arte Dramático de Madrid (RESAD) y su madre, la gran escultora, Esperanza d’Ors, sean gentes que aman el teatro desde muy jóvenes y le hayan despertado esa enorme vocación que ella posee. Paso a paso Ainhoa se ha ido forjando esa gran mujer de teatro que ahora es y que le inculcaban sus padres. Ainhoa se formó en la RESAD de Madrid y es licenciada en dirección por esta Escuela, pero su formación se extiende, entre otros, con William Layton y Miguel Narros. Ejerció la docencia en el Colegio Nuestra Señora de Santa María de Madrid, creando un Taller de Teatro “ Teatro del Parque” para chicos y chicas jóvenes de Bachillerato de ese colegio, en donde ella había estudiado, y con montajes tan curiosos como Un beso para la bailarina Verdi o Cómo perderse en el Thyssen y En alta mar, que le han servido como base para descubrir la dirección teatral como su principal actividad dentro del teatro y de donde están emergiendo actrices tan notables como Sonsoles Vaquero, Elena Furiase y la genial Juana Arana, tres actrices con un futuro prometedor en las tablas. Una carrera teatral de Ainhoa in crescendo desde que se enamorase de la escena con 10 años viendo el Sueño de una noche de verano, de Shakesperare, interpretando El sí de las niñas, con sólo 17 años, magistralmente dirigida en Almagro por Miguel Narros y dando la réplica a Beatriz Carvajal en Cierra bien la puerta de Ignacio Amestoy. Su debut como directora de escena fue en el año con la impactante 'De Jerusalén a Jericó', de Ignacio Amestoy, un montaje que llevó al Círculo de Bellas Artes y al Teatro Galileo de Madrid con grandes interpretaciones de Garbiñe Insausti y Borja Cortés, y que formaba parte de una tetralogía sobre la mujer de este autor, abordando el problema de la discapacidad y la integración social. Destacaríamos también sus estupendos montajes de El triciclo de Fernando Arrabal en la RESAD y la muy notable versión teatral de El arrogante español o Caballero de milagro de Lope de Vega, como ayudante de dirección junto a Guillermo Heras, como también la extraordinaria y cervantina Sanchica, princesa de Barataria, como autora del texto e intérprete única, así como el montaje de Improclásicos, un espectáculo que conjugaba el juego de la improvisación con los más celebres textos de Shakespeare, Molière o Calderón. Ainhoa Amestoy juega y coquetea con el mundo del teatro en 'Mucho ruido y pocas nueces', una adaptación sobre textos de Jacinto Benavente y William Shakespeare, que la compañía Factoría Estival de Arte, creada por ella, junto a Alejandro de Juanes en el año 2004 y estrenado en el Teatro Fernán Gómez. Con Mucho ruido y pocas nueces, la actriz Ainhoa Amestoy, con la extraordinaria réplica de Paloma Mozo, se multiplica en varias facetas porque hacía más de tres años que no pisaba los escenarios como actriz, dedicadaa la dirección y a la escritura, así como también a la gestión cultural y retomando así la interpretación. Pero creemos que es en sus montajes de autores actuales donde su carrera como directora ofrece un mayor interés y posibilidades futuras, explotando con mucho talento sus dotes como directora de actores y escena. Así hay que destacar su impresionante montaje del interesante Cuarteto de Heiner Müller en la RESAD, su interesante aunque oscuro y esotérico, Calderón PPP, o sea de Pier Paolo Passolini, o sus dinámicos montajes de su Soy Ulises, estoy llegando, como autora y directora, que es una recreación actual, dinámica y divertida del mito homérico, y actualmente, en esa misma línea, su divertida y crítica Saltar sin red, de Fernando J.López, con una estupenda dirección actoral así como una muy notable interpretación actoral, pero destacando sobre todo la de Juana Arana, una futura gran actriz.

Presentación de los 3 primeros libros de la editorial TRESeditores

Treseditores

presenta 3 “delicatesen” para gourmets del libro gráfico.

Admiro a las personas que encuentran pronto su elemento ("en el que se mueven como peces en el agua") y se apasionan y entregan su vida por él y en ello. Desde pequeño se vio que a mi hermano Mauricio d’Ors le apasionaba todo lo gráfico (tipo-gráfico, foto-gráfico, cinemato-gráfico, diseño-gráfico, cartelo-gráfico, dibujo-gráfico) y lo editorial. Lo ha demostrado con gran sensibilidad y acierto a lo largo de su vida con proyectos tan interesantes y bellos como sus editoriales (La Fontana Literaria y Nostromo), sus proyectos fotográficos como las exposiciones de grandes fotógrafos en sus galerías de arte fotográfico (Galería A+2 y El escaparate de San Pedro) o su magnífico Blog Fotodiariosinpalabras o su Viaje a Bolivia, y sus numerosísimos y cuidadosos catálogos y carteles para Museos y Centros Culturales. Ayer fue el Acto de presentación de los tres primeros libros en la Librería Rafael Alberti de Madrid de un nuevo proyecto editorial suyo, Treseditores (junto con Adriana Huarte y Carmen Ballvé) que consiste en una serie de deliciosos libritos cuadrados (16 x 16 cms) y 10 dibujos, a doble página y a dos tintas, sin texto sobre lugares emblemáticos de ciudades de España y del mundo, ilustrados por los mejores ilustradores españoles e internacionales actuales. Los tres primeros números corresponden a lugares emblemáticos de Madrid: La Plaza de Cibeles de Juan Berrio, El Rastro de Alfredo y La Gran Vía de Miguel Navia. Son tres deliciosos libritos a modo de “souvenir” artístico que permiten mirar y remirar, evocar y revisitar estos lugares con el sello de estos tres magníficos dibujantes. Son tres libritos muy distintos: el de Juan Berrio, es una alegre y nostálgica Plaza de la Cibeles y alrededores en una gama de deliciosos azules y grises, a modo de historieta de “línea clara” pero en la tradición española pero modernizada de los Sancha, Esplandíu y Eduardo Vicente (como apuntaba muy bien Juan Manuel Bonet en la presentación). El de El Rastro, de Alfredo, es un librito muy de ilustrador, a plumilla en tintas negra y roja, “en cuesta y de cuestas” como las del lugar que ilustra, muy literario, que se detiene mucho en los lugares más emblemáticos pero también en los tipos y gentes que pueblan esta gran “cloaca” de objetos de nuestro vivir que es El Rastro madrileño. El tercero, La Gran Vía de Miguel Navia, es un libro en platas y negros, como si se tratasen de grabados, muy estilo cómic, muy cinematográfico, misterioso, lluvioso y nocturno, y muy elegante y novedoso. Tres delicatessen para gourmets del libro gráfico.

Carlos d'Ors

31 de marzo de 2011

El "CRISTO MAESTÁ BATLLÓ", obra maestra del Románico en la FUNDACIÓN MAPFRE de Madrid.

La escultura es, junto al teatro y, tal vez, la música cantada, la más emocionante, conmovedora y catártica de las artes. En la escultura, al acercarse más la representación a nuestro cuerpo humano e identificarse más con él, es, como todos sabemos, el arte en donde la emoción humana y los sentimientos se expresan con mayor fuerza. Y, al margen de la emoción artística de tipo intelectual o puramente sensitivo que puede darse en otras artes como el dibujo, la pintura, la fotografía o la arquitectura, se produce en nosotros una emoción catártica que nos conmueve.

Esta reflexión viene a cuento porque hace ya bastantes días visité la impresionante exposición que sobre el Románico se puede ver en la Fundación Mapfre de Recoletos. La exposición, como todas las de Mapfre, es magnífica, muy aseada y pulcramente expuesta para deleite estético y didáctico del espectador. Indudablemente la pintura sobre tabla y sobre el muro es lo más destacado y fecundo, aunque también hay notables piezas escultóricas así como algunas deliciosas arquetas de Limoges y báculos. Pero pese a la importancia preponderante de la pintura en esta exposición, hay una pieza escultórica por la que sólo por ella merece la pena la visita y la posible cola. Se trata de El Cristo Majestad de Batlló, que es una imagen en madera policromada del siglo XII, que presenta a Cristo Crucificado en actitud de Cristo Majestad o triunfante sin rastros de sufrimiento pero con una serenidad humana que impresiona. Es una de las muestras más interesantes de la imaginería medieval de este tipo iconográfico en Cataluña y su procedencia se ha situado en el Pirineo catalán . Esta obra se encuentra expuesta en el MNAC de Barcelona. Impresiona la sobriedad del rostro y del cuerpo, la serenidad de la mirada que aúna humanidad y espiritualidad a un tiempo. Y ése es el secreto de su conmoción : la representación de Cristo como Dios y como Hombre, en que nos transmite que es humano como nosotros pero, al mismo tiempo, que su Reino no es de este Mundo. ¡Emocionante!